[Reseña] HARRY PÓRREZ Y EL AS EN LA MANGA DE CONDEMORT (Vergara / Rivas / EnriqueCarlos)

   En nuestro país siempre nos hemos distinguido por saber echarnos unas risas. A pesar de todas las penurias, calamidades o crisis que suframos, siempre sale el chispeante de turno que nos arranca una sonrisa para sobrellevar cualquier momento.

   La historia del tebeo en España no sería entendida sin el humor, ese humor tan característico que nos hace reírnos de todo y por todo. Desde las primeras ediciones de la mítica revista TBO, pasando por los diferentes títulos de la Editorial Bruguera (Pulgarcito, DDT, TíoVivo), las revistas de humor dirigidas a un público infantil-juvenil, siempre han tenido cabida en nuestros quioscos y en la imaginería de los chiquillos. La reciente crisis del sector y la consecuente adaptación a un nuevo mercado que pedía un nuevo enfoque en los títulos que le llegaban, redujeron las revistas de historietas a un papel meramente testimonial hasta su desaparición completa del panorama tebeístico nacional.

   Harry Pórrez y el As en la manga de Condemort es un volumen recopilatorio que recoge las cuatro historias largas del personaje publicadas entre 2004 y 2006 en la revista Mister K, un intento de ediciones El Jueves por recoger el testigo de las viejas revistas infantiles y buscar cuota de mercado en este sector. La revista alcanzó los 55 números y, aparte de las historietas de Harry Pórrez, incluía otras series como Carlitos Fax, Zorgo o El Profesor Trozotiza, así como secciones de reportajes y pasatiempos.

   Harry Pórrez, como no podía ser de otra manera, es una genial parodia de los libros y películas de Harry Potter. Tamizado, siempre, con nuestro humor patrio y localista, jugando con los elementos propios del original y tiñéndolos de desternillante humor absurdo y mordaz.

   La parodia, ha sido también la respuesta que hemos dado desde España a los éxitos foráneos. Los grandes personajes del cómic español, no son sino parodias de sus homólogos más serios, venidos generalmente del mundo anglosajón. Mortadelo y Filemón comenzó como una parodia de los detectives, para pasar más tarde a ser agentes de la T.I.A., tras el éxito internacional de las películas de James Bond y SuperLópez, hace lo mismo (sobre todo en sus primeros álbumes) con el género superheróico. De hecho, nuestro libro más universal, El Quijote, no es sino una parodia de los libros de caballerías.

   En fin, Harry Pórrez es un niño despistado, un poco ignorante e iluso, que acaba de descubrir que tiene poderes mágicos y que apenas sabe controlar. Es llamado a estudiar y ampliar sus conocimientos en Howrats. Allí, en compañía de nuevos amigos y sus profesores, hará frente a las traviesas maquinaciones de su enemigo Condemort.

   Éste tomo recopilatorio, recoge todas las aventuras de Harry Pórrez publicadas en Mister K. Los guiones están a cargo de Bernardo Vergara, gran autor de tebeos, que ha enfocado su carrera en El Jueves (que recientemente abandonó por toda aquella polémica de censura que hizo perder a la legendaria revista, la mayoría de sus dibujantes). Los dibujos son obra de EnriqueCarlos y Victor Rivas. Artistas de solvente trayectoria y que nos regalan unos dibujos preciosos, acorde a la historia de humor que se nos presenta y con un estilo de marcada influencia franco-belga.

Harry Pórrez y el Misterio del Santo Grial, es la primera aventura del personaje, donde se nos presentan a los diferentes caracteres y su entorno. En Harry Pórrez y el Prisionero de Alacrán, sigue la estela del anterior título, tomando la obra original como guía y parodia, centrándose en las excentricidades de los personajes. Harry Pórrez y el Trofeo de Fuego continúa jugando con el título y la obra de J.K. Rowling como eje central. La última aventura incluida en el recopilatorio es precisamente el que le da título, Harry Pórrez y el As en la manga de Condemort, alejándose en este caso ya de la obra original y centrándose en el personaje malvado, quien planea cada vez más disparatados planes para acabar con el joven aprendiz de mago.

La única pega es que la edición recopilatoria está editada también en formato y forma de los libros de Harry Potter, lo que hace que una historias planteadas para ser editadas y recogidas en forma de álbum sean reproducidas a un tamaño menor, disfrutándose menos de los dibujos y perdiendo muchos detalles que encierran sus viñetas.

   Harry Pórrez y el As en la manga de Condemort es un divertimento que sirve, no sólo a los seguidores de Harry Potter o los más pequeños, sino a todo el mundo que desee pasar una rato agradable y echarse unas risas. Sólo con eso, su fin se habrá conseguido.

La Máquina del Tiempo #51 [webcómic]

Seguimos, una semana más, la increíble odisea temporal de H. G. Wells en la obra fundacional de viajes en el tiempo.

Hoy tenemos un nuevo estreno en ésto de dibujar "santos" (aunque ya tiene experiencia de guionista), de la mano de uno de nuestros amigos y socios extrebeístas más destacados. Un canario asentado en Extremadura años ha, que responde al nombre de Pablo Calvo.

Ya sabéis que si queréis disfrutar de esta página en toda su extensión, sólo tenéis que clickar en la imagen para ampliar.

Página 51 por Pablo Calvo

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De la C a la C (19). No me gustan los Cómics

Este año, con el aumento de visibilidad de mi afición a los cómics sobre todo por estas entradas, he escuchado esa frase más de una vez, generalmente como motivo para no leer las mismas. No me importa que no se lean, creo que la gente solo debería gastar su tiempo en cosas que le interesan, pero la frase “no me gustan los cómics” me ofende de manera casi física. Visto lo que he dicho antes, no tiene mucho sentido que exponga aquí por qué no me gusta esa frase, ya que a la gente a la que no le interesan los cómics no lo va a leer, pero oye… 

Tengo que llenar esta sección y además vosotros siempre me dejáis un hombro para llorar. Así que allá va: Nadie dice “No me gustan los libros”, “no me gustan las películas” o “no me gusta la música”. 

Bueno, esto último creo que se lo dijeron una vez a mi chica, pero no me lo creo mucho. Seguro que era un adolescente, que están locos. El caso es que la gente confunde el MEDIO con el MENSAJE. El cómic es un medio narrativo en el que se cuenta una historia, no un género. Para que nos entendamos, es como si alguien viera Gran Hermano VIP y pensara “No me gusta la televisión”. 

Creo firmemente que la gente que cree que no le gustan los cómics es porque no ha encontrado el cómic que le gusta. Me pasa igual con los libros. Más de una vez he escuchado a gente decir que no le gusta leer y no me lo creo, porque hay demasiados libros en el mundo como para que no te guste ninguno. A una persona a la que solo le importa el fútbol y no ha leído una novela en su vida seguro que le interesa una biografía de Pelé. A otra a la que le gusta la música puede interesarle un manual de cómo tocar el bajo. Otra que esté todo el día enganchada al porno seguramente disfrutaría de Las Edades de Lulú, un cocinero tiene mil libros de recetas a su disposición e incluso los fans de Gran Hermano VIP pueden leerse TEO en la Playa. La gente que cree que no le gustan los cómics no ha leído Maus, los Combates Cotidianos, Adolf, Y el último hombre, Berlín, Predicador, Usagi Yojimbo, Arrugas o Persépolis.

Y ojo, que he mencionado solo novelas gráficas (o por lo menos lo que yo llamo novelas gráficas) y un par de series limitadas. Pero que el mundo del cómic va mucho más allá. ¿En serio la gente que dice que no le gustan los cómics no ha disfrutado nunca de niño (o no tan niño) con Mafalda, Mortadelo y Filemón, Tintín, Carpanta o Astérix? ¿De verdad no se ríen cuando leen el Jueves o viñetas de Forges o Vergara? ¿REALLY? Respecto al humor gráfico, todo el mundo coincide en que los humoristas gráficos son gente inteligente y culta, y sin embargo desprecian el medio que han utilizado para crear su arte los el Roto, IVÁ, el Perich o el siempre absolutamente genial Watterson y su Calvin y Hobbes

Uno de los motivos que me han dado para no leer cómics es que literariamente son mucho peores que los libros. Esta es una falacia cuyo único argumento podría ser que los cómics tienen menos texto. Evidentemente este razonamiento es una tontería de categoría 3 ya que eso implicaría, por ejemplo, que la biografía de Justin Bieber tiene más calidad literaria que un cuento de Cortázar, el Viejo y el Mar o la Metamorfosis. La calidad de un escrito se la da el escritor, no el formato. Desde mi nada humilde punto de vista (a estas altura no os voy a engañar) hay más literatura en una página del Sandman de Neil Gaiman que en las sagas Crepúsculo y 50 Sombras de Grey juntas.

Así que voy a ir directamente al argumento más utilizado por los despreciacómics: Los cómics de superhéroes. Antes que nada quiero aclarar (aunque creo que es evidente) que me encantan los cómics de superhéroes, especialmente los de Marvel. Dicho esto, me parece absolutamente respetable que haya mucha gente a la que no le gusta. Pero yo siempre he creído que cerrarse a un género gratuitamente es perder la oportunidad de descubrir cosas magníficas. Por ejemplo, a mí no me gustan las películas de miedo. Es verdad pero es una generalización, he disfrutado de algunas películas de miedo como Al Final de la Escalera, los Otros, los Pájaros… Puede que el mundo de los superhéroes le parezca a alguien un mundo plano, irreal y con una profundidad de argumentos y personajes equivalentes a la profundidad de un plato llano. Pero seguramente sea porque no ha encontrado el cómic de superhéroes que se adapte a sus gustos. Existe una gran variedad dentro del género superheroico. Puedes encontrarte una especie de Superman que se vuelve loco y empieza a matar a todos los habitantes del mundo como en Irredimable. O un cómic que trata sobre cómo actúa la policía en un mundo repleto de superhéroes como en el Powers de Bendis del que acaban de sacar una serie que no sé qué tal estará.

Puedes, por supuesto, leerte la que en un futuro se considera una de las obras literarias más importantes del SXX, y si no se cumple mi predicción venís en 100 años y me lo decís:

 Bueno, o casi cualquier otra cosa de superhéroes de Alan Moore, Top Ten es genial y Miracleman es una obra maestra. 

También puedes jugártela y leer cómics buenos de Marvel y DC, aunque en un principio te echen para atrás porque son muy comerciales o alguna chuminada similar. Porque, con lo mal que me cae como persona, qué pedazo de artista es Frank Miller y qué pedazo de obras son su Born Again de Daredevil, su Dark Knight Returns o su Batman Año Cero. Y el Spiderman de Strazinsky. El Alias de Bendis. El Ojo de Halcón de Fraction y Aja. El Animal Man de Lemire y Foreman. O…

Y si no os van los clásicos, id a lo nuevo que está saliendo. El Invincible de Kirkman, que es una debilidad mía, por ejemplo. O el fantástico Kick-ass, sus secuelas y spin offs de Millar y Romita Jr.

En fin, lo que quiero decir con todo esto es que decir “No me gustan los cómics” tiene poco sentido. Incluso “No me interesa el cómic como medio de expresión” me parece una forma absurda de autolimitarse. Hoy he puesto varios títulos por ahí arriba. Todos ellos me parecen, como poco, superinteresantes. Así que si has llegado hasta aquí pero eres una de esas personas que creen que no le gustan los cómics el mejor consejo que te van a dar este año es este: Pasa de todo, coge un cómic de los que he puesto un día (muchos los puedes encontrar gratis en las bibliotecas. Si no siempre puedes pedírmelos a mí) y léelo. Aunque sea para el día de mañana poder decir en una discusión como esta “Pues me leí el cómic ese que tiene tanta fama y no me gustó nada”.

Y si descubres que te gusta o incluso que te encanta yo te espero aquí la semana que viene para seguir hablando sobre ellos, para escurrirlos y sacarles todo el jugo que pueda hasta que los haya explorado de la A a la Z. De la C a la C. Muchas gracias por leerme y perdón por pontificar.

EXCELSIOR!

La Máquina del Tiempo #50 [webcómic]

Y llegamos a la entrega quincuagésima de nuestro webcómic. 50 semanas ya recordando a este grande de la literatura que es H. G. Wells con una de sus obras más conocidas e influyentes, La Máquina del Tiempo.

En esta ocasión es uno de nuestros socios-fundadores, Fran Aguilera, quien nos ofrece su arte y talento para narrar en imágenes. Fran viene trabajando en nuestra asociación desde el principio, aportando su ilusión y buen hacer en esto de la difusión del Noveno Arte y destacando en la expresión gráfica como pocos.

No os perdáis la página en todos sus detalles haciendo click sobre la imagen para ampliarla.

Página 50 por Fran Aguilera

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[Reseña] LAS CRÓNICAS DE EXCALIBUR. Primera Crónica. (Jean-Luc Istin / Alain Brion)

   Como ya hemos comentado en anteriores entradas dedicadas a tebeos venidos de nuestros vecinos del norte, la industria historietística franco belga ha tenido un especial interés en mostrar en sus títulos y series las historias y leyendas surgidas en Europa. Un patrimonio tan rico como el que posee nuestro continente no pude dejarse pasar así como así y ha sido continuamente explotada para situar en las diferentes épocas de nuestra historia común, series y relatos de toda índole, tanto de la fantasía más absoluta como en la vertiente mejor documentada y atenida a los hechos históricos. Unos con más y otros con menos fortuna o éxito de cara al público.

   Las Crónicas de Excalibur es una nueva revisión del mito artúrico. Una historia de sobra conocida a través de los siglos y ampliamente adaptada a todos los medios, incluido el noveno arte. Podéis consultar la estupenda entrada que nuestro colaborador Ramón García-Ontiveros dedicó a Arturo y sus Caballeros en su sección De la C a la C.

   El presente título que reseñamos hoy, utiliza todos los elementos tan reconocidos y universales para acercarse a la leyenda de un modo más realista, con menos fantasía y mostrándose como si fuese una crónica histórica que ha pasado a través de los siglos. Muy cercana en este planteamiento a las series de t.v. Camelot o Las Brumas de Avalon, aunque mostrando en éste primer volumen la historia de los padres de Arturo y sobre todo la de Morgana, Merlín y Excalibur, dejando la aparición del legendario rey para sucesivas entregas.

   El mago Merlín recibe de manos de la Dama del Lago la legendaria espada Excalibur, capaz de dar la victoria al guerrero que la esgrima. Merlín decide entregarla a Uther Pendragón, el líder de los britanos, con la condición de que la use para conseguir la unión de todos los pueblos de Bretaña... y sin darse cuenta pone en marcha una serie de acontecimientos que cambiarán para siempre la historia del mundo.

   Tiene especial importancia, al menos en este volumen, el papel de las mujeres en ela sociedad britana, sobre todo el trío formado por Viviana, Igraine y Morgana cuya relación de parentesco (son madre, hija y nieta) las une indiscutiblemente con Merlín y con la isla sagrada de Avalon, de donde Viviana es gobernante. El choque comienza con la llegada de una nueva religión a tierras británicas que planea acabar con los antiguos cultos paganos y con la amenaza que supone para su expansión las Damas de Avalon y sus ritos a los antiguos dioses. Esa nueva religión es el Cristianismo, y está represando por el Obispo Patricio, enviado de Roma para expandir la auténtica fe y acabar con las tradiciones druídicas.

   Las cartas están echadas y los bandos comienzan a formarse. En medio de todo este berenjenal, Merlín entrega a Uther Pendragón la espada Excalibur, forjada para construir, no destruir. Una espada que porta la voluntad de Avalon y que debe ser destinada para unir a todos los pueblos britanos.

   El guión de Jean Luc Istin nos introduce en este mundo en el que se están produciendo profundos cambios a través de unos personajes sobradamente conocidos y que narra el las consecuencias del choque cultural que se produce entre el cristianismo y el paganismo y el enfrentamiento que depara de ello. Con una estructura argumental muy definida y atada, nos va mostrando las relaciones entre los personajes y los enfrentamientos entre las distintas facciones con grandes y épicas escenas de batalla y conspiraciones.

   El arte de Alain Brion solo puede calificarse de soberbio y te atrae inmediatamente a la historia como uno de sus puntos más fuertes. La atmósfera que impregna en sus páginas recoge muy bien todos los elementos de la Bretaña medieval, como vestuario y fortificaciones, así como los asombrosos paisajes británicos y donde aún se puede observar la transición de la época de la invasión romana a la puramente medieval. Un auténtico ejercicio de estilo del ilustrador que nos regala en cada una de las 120 páginas de las que está compuesto el presente volumen.

   Las Crónicas de Excalibur es la historia de esta espada y de los reyes más famosos que la empuñaron, Uther Pendragón y Arturo. Un primer volumen que supone una nueva mirada al mito artúrico y que deja con ganas de más.

La Máquina del Tiempo #49 [webcómic]

   Llega un nuevo viernes con una nueva aventura del Viajero a Través del Tiempo. Sigue la adaptación gráfica de la novela de H.G. Wells en las habilidosas manos de lo más granado del cómic y la ilustración de Extremadura.

    Hoy nos acompaña uno de los ilustradores más prolíficos de nuestra región, el emeritense Javier Orabich, que nos aporta su arte y buen hacer en ésta magnífica entrega.

     Como siempre, disfrutad de la página a lo grande clickando en la misma para ampliar.

Página 49 por Javier Orabich

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De la C a la C (18). El Increíble Anecdotario

No os voy a engañar,  hoy tengo un poco de prisa. Así que no me puedo poner sesudo ni filosófico. Total, que he optado por lo fácil. Voy a contar unas cuantas anécdotas de nuestro personaje de piel verde favorito (con permiso de Píccolo, la Rana Gustavo y Mike Wazowski. Y Yoda. Y Shreck. ¿Qué os pasa con el verde, artistas?) Hulk fue uno de los primeros personajes de la era Marvel de los cómics, por lo tanto creado y guionizado por Stan Lee, y apareció en el número uno de su propia serie (No como Spiderman o Ironman, por ejemplo, que aparecieron en títulos genéricos) La idea original es una revisión del Dr. Jekyll y Mr. Hide y de las películas de Frankenstein, en las que el Monstruo solo pretende estar tranquilo y que le dejen solo pero nunca lo consigue. 

Y la primera anécdota, que casi todo buen fan del cómic conoce es que Hulk… ¡Al principio no era verde!

En el primer número Hulk era en algunos aspectos diferente al que todos conocemos: Tenía la inteligencia de un hombre adulto normal, se transformaba cuando llegaba la noche y tenía la piel de color gris, ya que Stan Lee quería que no se le pudiera relacionar con ninguna etnia. 

Pero no contó con la calidad del coloreado de la época y con que el gris era un color especialmente difícil de conseguir. Así que en el primer número original de Hulk vemos un color de piel distinto prácticamente en cada viñeta, del gris más claro al más oscuro y en una de las viñetas… Verde. Así que el bueno de Stan decidió que el verde sería el color oficial a partir del siguiente número. Durante muchos años las reimpresiones y los flashbacks al primer número se recolorearon en verde, hasta la década de los 80 en la que Hulk volvió al carácter original del primer número: Gris, inteligente, menos fuerte y con la transformación provocada por el paso del día a la noche y no por estados emocionales. 

Otra anécdota: Hulk fue el primer gran fracaso de Stan Lee (y de Marvel). La serie original de Hulk solo duró 6 números debido a sus bajos números de venta. De todas formas a Stan Lee le encantaba el personaje, así que siguió apareciendo como invitado en otras colecciones e incluso como cofundador de los Vengadores. Poco después en Marvel recibieron una carta de una fraternidad universitaria en las que les decían que habían convertido a Hulk en su mascota oficial. En Marvel se dieron cuenta de que ahí (en los universitarios) tenían un nicho de mercado (tened en cuenta que en esta época el cómic todavía se consideraba un medio dirigido a niños y como mucho adolescentes), así que un año 

y pico después Hulk reaparecería como serie regular aunque en este caso en un título genérico, “Tales to Astonish”

Más: Hulk fue el cuarto personaje de Timely (la editorial que después se llamó Marvel) en llamarse Hulk. Los primeros hulks fueron un robot gigante, una masa naranja y un bicho gigante, peludo, blanco y con poderes mentales conocido como Xemnu the Hulk en las historias de terror y ciencia ficción que se hacían por la época.

Más tarde Xemnu reaparecería en Marvel como Xemnu el Titán y se enfrentó en numerosas ocasiones con su una vez tocayo.

Cronológicamente hablando, la siguiente anécdota de Hulk es la aparición por primera vez de un personaje que es hoy en día uno de los iconos más importantes de Marvel (si no el que más). En la última página del número 180 de The Incredible Hulk, este se encuentra en Canadá peleando contra el Wéndigo, un malote caníbal de por allí por el norte. Los canadienses preocupados por la destrucción que los dos pueden provocar invocan al proyecto Weapon X, que aparece en la última viñeta. A lo mejor no le reconocéis con esa máscara peculiar que me trae el muchacho, pero seguro que las garras os dan una pista. Bueno, y el nombre

En el siguiente número Wolverine ya pelea contra los dos “monstruos”, aunque no se revela mucho sobre él. En un principio era un personaje secundario más destinado al ostracismo. Pero un año después lo recuperaron para el mítico Giant Size X-Men 1 y el resto es historia.

Ahora un par de anécdotas relacionadas con la serie de televisión: La serie de televisión el Increíble Hulk tuvo un éxito enorme y aumentó sensiblemente la popularidad y las ventas del cómic de Hulk. Tenía algunas diferencias importantes con el cómic (incluido el nombre del protagonista, Bruce banner en los cómics y David Banner en la serie) y Hulk, en vez de ser un dibujo animado muy bien hecho como en las películas actuales, era un culturista pintado de verde y con una peluca de pelo de Yak teñido. El culturista era, por supuesto, Lou Ferrigno. Y aquí viene mi anécdota favorita:Para Ferrigno los rodajes eran agridulces: Le encantaba Hulk desde que era un niño, pero las 3 horas de maquillaje y las lentillas de contacto le volvían loco. Tenía que quitarse las lentillas cada 15 minutos porque le hacían mucho daño. Rodando el piloto, cuando llevaban más de 12 horas de grabación ese día y estaban en mitad de una carretera de noche y lloviendo, se suponía que Hulk tenía que volcar un coche para tirarlo por un barranco. Y el cable que unía el coche a la grua que lo iba a volcar se rompió. No sabían cuántas horas iban a tardar en arreglarlo, así que podemos decir que el bueno de Lou tenía sobradamente hinchada la zona escrotal. Así que optó por la solución más rápida y fácil: Decir que le grabaran y volcar él el coche a pulso. A huevo. Qué tío, carajo!

Y la última que os cuento por hoy, que está relacionada con la serie: Hulka (She-hulk). She-Hulk, también conocida como Jennifer Walters, es la prima de Bruce Banner, que a punto de morir recibió una transfusión de sangre de su primito y desde entonces se convierte en una versión femenina de Hulk con un par de diferencias: Mantiene siempre la personalidad e inteligencia de Jennifer y está muy buena. Para ser un cómic y eso, digo. Ninguna novia se pondría celosa de un cómic. ¿Eh, mi amor? Sigo: Hulka fue el último personaje creado por Stan Lee para Marvel hasta su regreso a los guiones en 1992. Y el motivo de su creación fue más bien prosaico: La serie de televisión “El hombre de los seis millones de dólares” estaba teniendo un éxito espectacular, por lo que los creadores habían sacado una versión femenina de la misma, “la mujer biónica”. La serie del Increíble Hulk estaba teniendo un éxito espectacular, por lo que Marvel sumó 2+2 y decidieron adelantarse a la televisión para que esta no creara una versión femenina de uno de sus personajes sobre la que ellos no tendrían derechos. Así que aparece el número 1 de She-Hulk, en cuya portada podéis apreciar el paralelismo con el número 1 de su primo aparecido 18 años antes

Desde entonces, por supuesto, se ha ganado su sitio por mérito propio, ha pertenecido a los Vengadores, los Defensores (mi supergrupo Marvel favorito), los 4 Fantásticos (sustituyendo a la Cosa cuando se quedó de turismo en el planeta de las Secret Wars9, ha tenido una novela gráfica genial dibujada y escrita por John Byrne y un par de series regulares con una etapa del mismo Byrne totalmente desquiciada y genial. Por casa tengo el primer número de la etapa Byrne, con Hulka y el Pato Howard perdidos en el Salchichoverso.

En fin, sé que me dejo muchas en el tintero, pero creo que una de las cosas que he dejado claro hoy es que cuando un cómic existe desde hace más de 50 años se convierte en patrimonio cultural, que afecta creativamente a muchos más aspectos que la página impresa y que no hay que rendirse, que el primer fracaso de Marvel es hoy en día uno de los iconos del cómic más reconocidos que vende cientos de miles de sucios dineros en cómics, películas y merchandising. Nada más por ahora, nos vemos la semana que viene por estos pagos hablando de cualquier cosa y explorando el cómic de la C a la C. ¡Muchas gracias por leerme!

EXCELSIOR!

97 exTreBeO micropodcast: Jordi Bayarri

Volvemos a la carga con un programa especial al que invitamos a un autor de renombre: Jordi Bayarri (Alboraya, Valencia, 1972). Como dicen los amigos de Tebeosfera... "Prolífico creador de cómics de humor, acción y fantasía que se inició en el fanzinismo para luego convertirse en un activo editor pionero en la aplicación de las TIC al cómic y en creador de nuevos modelos de edición, defendiendo siempre el cómic de raigambre popular."

Muy conocido en el mundo del cómic español, por series Magia y acero y Entre tinieblas, entre otras, y más recientemente por su colección dedicada a grandes científicos es, asimismo, uno de los mejores representantes de la autoedición en el mercado tebeístico nacional. Sus vías de trabajo y promoción le llevan a mantener de forma muy activa sus cuentas en redes sociales y varios blogs, por ej. http://anillodesirio.blogspot.com.es/. Dentro de su sello Anillo de Sirio ha creado la línea Grapa!, a la que pertenecen obras como Julián, la precuela de Cruz Negra (de nuestros amigos Gol y Pedro Camello).

Con respecto a la serie de grandes científicos, financiados para su impresión a través de crowfunding, lleva publicados cuatro álbumes en formato apaisado dedicados a Darwin, Galileo, Newton y Marie Curie. Y el próximo que abordará será uno dedicado a Ramón y Cajal. Cabe destacar aquí el enfoque infantil-juvenil que ofrece esta colección de biografías, que consigue ese difícil equilibrio que permite su uso y disfrute por lectores de diferentes edades, suscitando el interés por los personajes retratados sin caer en un exceso de información que lastraría la narración -sobre todo para lectores no iniciados en los temas en cuestión- y resultando entretenidos a diferencia de otras obras didácticas de similar temática. (por Antonio Roguera)

Descárgalo AQUÍ 97 exTreBeO micropodcast (en mp3)

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[Reseña] BATMAN. LA BROMA ASESINA (Alan Moore / Brian Bolland)

    Lo bueno que tienen las redes sociales es que es una herramienta que convierte en viral, cualquier asunto, por importante o nimio que pudiera parecer. Ésta semana ha habido una amplia polémica por la portada alternativa de Batgirl #41, obra de Rafael Alburquerque, en la que Joker sostiene a una aterrorizada Batgirl al tiempo que le marcaba con sangre su característica sonrisa en la cara. Una portada terrorífica que fue inmediatamente retirada por DC a petición del propio Alburquerque vistas las amenazas surgidas en determinados colectivos por hacer vejación de la mujer y posible incitación al maltrato. Alburquerque no pretendía más que homenajear y hacer un guiño al clásico de los 80, La Broma Asesina.

    Así que, esta semana nos hacemos eco de esta noticia y aprovechamos la coyuntura para hablar de una de las obras más escalofriantes que ha dado el cómic de superhéroes y de Batman en particular.

Batman. La Broma Asesina es uno de los títulos fundamentales del Caballero Oscuro y que en los 80 supuso una renovación importante para el medio. Junto a Batman, Año Uno y El Regreso del Señor de la Noche, componen la triada que generó profundos cambios en el personaje y que inició la etapa más adulta del género superheroico (considerado cosa de niños hasta entonces) y que ya remató Watchmen como obra cumbre.

   Sobradamente conocida por todos los aficionados al noveno arte (es una de esas obras que no debe faltar en ninguna tebeoteca), La Broma Asesina supuso un revulsivo importante al tratar temas como la locura y la particular relación del Bien y el Mal. Un argumento complejo en su sencillez, que encierra múltiples facetas y que, a pesar de su corta longitud (son escasamente 46 páginas), es una historia densa que incluso ha sido ampliamente estudiada en diversos ámbitos como paradigma de la caída en la locura.

   El eje argumental en sí se centra principalmente en el Joker y muestra sus orígenes y como llegó a convertirse en el Príncipe Payaso del Crimen, centrándose así mismo en el Comisario Gordon y la integridad que éste representa en contraposición a la locura psicopática del Joker.

   La historia comienza con una visita de Batman al Asilo Arkham para debatir con el Joker sobre el futuro que le espera a ambos si sigue esta espiral de enfrentamientos continuos y que sólo puede llevarles a la muerte. En ese momento descubre que la persona con la que hablaba no es el auténtico Joker sino un señuelo que cubría su huida. El Joker ha puesto su vista en un viejo y destartalado parque de atracciones que remite a su pasado remoto donde era un comediante sin éxito, pusilánime y patético, con múltiples deudas y una mujer embarazada. Poco después hace una visita al apartamento del Comisario Gordon donde, en una de las escenas más escabrosas de la historia del cómic, dispara a su hija Bárbara a quemarropa, quedándola paralítica en el suelo y llevándose a un traumatizado James Gordon. Siguiendo con los flashback, el joven Joker se asocia con unos delincuentes para robar en una empresa de productos químicos y pagar así sus deudas y sacar a su mujer de la penuria. Al enterarse de la muerte de esta en un accidente doméstico decide dejar el robo pero es obligado por sus socios que lo usan como peón al ponerle una capucha roja que de notoriedad al robo. El plan no sale bien ya que el lugar estaba fuertemente vigilado y sus compinches caen en el tiroteo. El Joker, perdido tras la muerte de su esposa y medio cegado por la capucha roja, se enfrenta a Batman y cae a un depósito de productos químicos, de la que sale convertido en el Príncipe Payaso del Crimen y ya totalmente desquiciado.

   En el parque de atracciones, en el momento actual, Joker plantea al Comisario Gordon su plan de atraerle a la locura indicando que un mal día puede volver loco a cualquiera. Torturando a Gordon física y emocionalmente, le muestra fotos de su hija herida y desnuda para romperle psicológicamente. Batman sigue la pista del Joker hasta el parque. Tras liberar a Gordon, este, deshecho anímicamente le indica que detenga al criminal acorde a la ley ya que ésta es la victoria de la razón frente a la locura. El enfrentamiento final del Joker y Batman se muestran como las dos caras de la misma moneda y como ambos son diferentes respuestas del destino a una misma tragedia.

   La obra, como se puede ver, es densa en su planteamiento y en los diferentes enfoques que encierra. Tiene como eje central el clásico enfrentamiento entre el Bien (representado aquí por James Gordon, no por Batman) y el Mal (con un Joker pasado de vueltas). También muestra la caída en la locura del Joker, al perder a su esposa embarazada y  que, junto a la caída al depósito de residuos químicos, le convirtió en un ser desquiciado que se deja llevar por sus impulsos, perdiendo la razón y la cordura en el camino. Intenta demostrar que un mal día puede doblegar a cualquiera en la persona más íntegra de Gotham, el Comisario Gordon, mostrándole que un suceso traumático, como es ver como disparan y abusan de su hija, puede acabar con la psique del más pintado. Sin embargo Gordon no cae y mantiene, a pesar de todo el horror que le rodea y muestran, su integridad a salvo.

   El Joker, tras varias décadas desde su primera aparición, carecía de un pasado definido y aquí se nos muestra como un hombre fracasado, incapaz de sacar adelante a su familia y que se dejó llevar por la ilusión de ser comediante, dejando atrás un trabajo bien remunerado en la planta química y olvidando sus obligaciones maritales.

   La obra ha sido objeto de continuos y concienzudos análisis psicológicos que estudian no sólo la particular psique del Joker, sino así mismo del propio Batman. Ambos personajes, contrapuestos entre sí, guardan similitudes en su origen, el asesinato de los padres de Bruce Wayne y la muerte de la esposa del Joker, que sin embargo les lleva por caminos diferentes. Dos respuestas opuestas al dolor, la tragedia y la pérdida, que sin embargo no hacen sino preguntarnos si Batman no estará tan loco como el Joker pero con otro rumbo distinto.

   Es prácticamente imposible mostrar tanto en tan poco espacio y es así gracias a la particular visión empleada por Alan Moore, por mucho que ahora reniegue o no se encuentre totalmente satisfecho con ella. De Moore sobran las palabras y las semblanzas, es un personaje en sí mismo que nos ha regalado las mejores obras que ha dado el noveno arte. Watchmen, V for Vendetta, From Hell… y así seguiríamos, pues su bibliografía es Historia de los Cómics.

   Brian Bolland es igualmente una leyenda de la historieta que se inició en 2.000 A.D. con tebeos del Juez Dredd para luego regalarnos esa interpretación futurística de la leyenda artúrica que es Camelot 3.000. Bolland realiza aquí un trabajo que continúa el estilo narrativo empleado por Dave Gibbons en Watchmen, no obstante, el propio Alan Moore reconoció que La Broma Asesina fue escrita a posteriori de ésta por lo que guarda muchas similitudes tanto estética como narrativamente con su obra cumbre.

   La Broma Asesina ha sido objeto de numerosas reediciones tras su publicación inicial en 1988, la última de las cuales, con motivo de su 20 aniversario, fue revisada y recoloreada por el propio Bolland para mantener el espíritu con el que fue originalmente planteada.

   Batman, La Broma Asesina es una obra de arte en sí misma. Un viaje por lo más profundo de la psique humana y las distintas consecuencias que puede traer un día trágico en diferentes personas. Un relato estremecedor que no puede dejar indiferente a nadie. 

La Máquina del Tiempo #48 [webcómic]

Nuevo viernes, nueva entrega de La Máquina del Tiempo. El Viajero sigue la exploración del ignoto futuro de la Humanidad descubriendo nuevos misterios y peligros.

Hoy nos acompaña Helena Henneford, ilustradora madrileña de orígenes extremeños y que supone uno de los nuevos valores de la pintura y la ilustración.

Disfrutad de su arte ampliando la imagen con tan sólo un click.

Página 48 por Helenna Henneford

Todos los viernes una nueva entrega aquí,

en el blog de exTreBeO

De la C a la C (17) La redención del villano

¡Hola! Voy a decir desde el principio que todo lo que voy a decir a partir de aquí es mi (no tan) humilde opinión, así no tengo que decirlo continuamente después. Ahí va mi primera opinión polémica: Las series de dibujos animados japonesas (anime) son muchísimo mejores que las series americanas. 

Ahí va una exposición de motivos: Están casi siempre basadas en cómics (eso siempre es mejor. Todo lo basado en un cómic es mejor. Eso es asín), no tratan al público como si fuera tonto aunque sean para público infantil, cuentan historias largas y trabajadas en vez de ser capítulos autoconclusivos, tienen más acción y, aquí quería yo llegar, los villanos son mucho más interesantes. Más allá del típico villano “Voy a conquistar el mundo para conquistar el mundo y tener el poder absoluto y así conquistar el mundo” los antagonistas del manga (y por tanto del anim” suelen tener un trasfondo y son, no vamos a engañarnos, mucho más guays. Tan guays, de hecho, que suelen acabar como personajes secundarios que luchan del lado del protagonista. Y por estos motivos a una generación a la que nos daba ya bastante igual los Picapiedra o los Diminutos nos pusieron en la tele los Caballeros del Zodiaco y FLIPAMOS. Y a todos nos flipaba Ikki, Caballero del Fénix que empezó siendo un villano.

Y llegó Bola de Dragón y también flipamos

Y una de las cosas curiosas de Bola de Dragón es que prácticamente todos sus personajes principales empezaron como antagonistas de Goku: Yamcha, Ulon, Puar, Krilin, Ten Shin An y Chaozu, Píccolo, Vegeta…

 En todos  los manga que he leído hay por lo menos un antagonista que se pasa al lado del prota, o por lo menos no se me ocurre ninguno en el que no. Naruto, Bleach, One Piece, Dragon Quest…

En el cómic americano es una situación que se da bastante menos, pero también se da. En la llamada “edad de oro” de los cómics (1930-1950) no existía en absoluto, hasta que llegó un señor en 1965 y cambió todo. Un tal Stan Lee. Lo mismo os suena. En mayo de ese año Stan Lee hace uno de sus movimientos más arriesgados en una de las series más importantes de Marvel: Los Vengadores. Los primeros 15 números de los Vengadores que han salido anteriormente están protagonizados por el primer grupo de vengadores, es decir todos los grandes superhéroes que Stan Lee creara con Jack Kirby: Iron Man, el Hombre Hormiga y la Avispa, Thor y Hulk. Con un par de cambios: En el segundo número Hulk deja los Vengadores (tardaría muchísimos años en volver oficialmente), en el mismo número el Hombre Hormiga pasa a ser el Hombre Gigante y en el número 4 (uno de los más importantes de la historia del cómic americano moderno) Stan Lee recupera a su superhéroe favorito de todos los tiempos: 

El Capitán América. En todo caso, eran todos primeros espadas de la editorial. Y llega el número 16 y Stan se vuelve loco. Así que todos los miembros originales de los Vengadores dejan el grupo y solo se queda el Capitán América. Necesitan nuevos héroes para reemplazar a los que se van. ¿Y a quién escogen? A tres supervillanos: Ojo de Halcón, la Bruja Escarlata y Mercurio. 

Este arriesgado cambio de formación enfadó a muchos lectores los primeros días, pero fue ganándose su cariño en poco tiempo. Y supuso el origen de una larga tradición: Los villanos redimidos como miembros de los Vengadores. El Espadachín, el Hombre Maravilla, la Visión o la Viuda Negra empezaron como villanos.

Así que los villanos redimidos en Marvel siempre llegaban a los Vengadores (excepto los mutantes, que se iban a los X-Men como Pícara o Magneto) hasta que llegó…

El primer número de Thunderbolts fue un shock para los lectores. Se publicó en 1996 después del crossover “Onslought” que terminó con la mayor parte de los superhéroes Marvel dados por muertos. Y aparece Thunderbolts, que se publicita como un grupo de superhéroes como otro cualquiera. Muchos lectores leyeron el primer número, descubriendo a los nuevos personajes, cuando de repente, al llegar a la última página, descubren que en realidad estos nuevos superhéroes son un grupo de villanos conocidos como los Amos del Mal disfrazados (Sí, los amos del mal. En los 60 los nombres no eran muy sutiles, como la Hermandad de Mutantes Malvados puede asegurar). A lo largo de los siguientes  números algunos de estos villanos le fueron cogiendo el gusto a eso de hacer el bien, acaban echando a su líder (el Barón Zemo) y se convierten en héroes por derecho propio.  Desde entonces hasta hoy ha habido varias encarnaciones del grupo pero siempre con esa premisa de supervillanos haciendo el bien. Ha tenido varias etapas gloriosas, así que si nunca habéis leído Thunderbolts ya estáis tardando. A mí me gusta especialmente la penúltima, con Luke Cage a los mandos.

Así pues podemos decir que Marvel tiene una larga trayectoria de villanos redimidos (Echadle un ojo a la serie de Loki si aún no se lo habéis echado) pero, ¿Qué hay de la otra grande americana?

Yo diría que en DC este cambio es menos común, salvo honrosas excepciones como Catwoman, pero hay una serie tan buena que creo que compensa:

Los Secret Six han sido 3 grupos distintos de DC, siempre comandados por un personaje en la sombra llamado Mockingbird y siempre siendo, efectivamente, seis miembros. Las dos primeras versiones no tuvieron demasiado éxito. Pero en 2005 se cambió totalmente el concepto y los Secret Six fue recreado por el guionista Gail Simone esta vez formado por 6 supervillanos, tres ya existentes en el Universo DC (Catman, Deadshot y Cheshire) y tres creados para el evento. Este grupo sí ha tenido un gran éxito, series limitadas e incluso una serie regular. No me atrevo a asegurar que sean villanos redimidos (lo mismo pasa con algunas versiones de los Thunderbolts), pero desde luego sí son presentados en muchas ocasiones con actitudes heroicas. 

En fin, lo que quiero traer a colación es que los villanos de una historia deberían ser siempre por lo menos tan interesantes como el protagonista. De hecho yo prefiero decir “antagonista”. 

Porque los buenos personajes son profundos, y los personajes profundos nunca son unidimensionales (“Hago el mal porque el mal y hay que acabar con el bien”) De hecho, pelearé de forma agresiva con el que no reconozca que el mejor antagonista de Marvel es el Dr. Doom. Y los personajes interesantes atraen al público, así que es normal que los quieran ver en las actitudes normalmente interpretadas por los protagonistas. ¡Así que disfrutad de los “buenos” malos mientras podáis, que nunca se sabe cuándo le va a cambiar el chip!

Aquí nos veremos la semana que viene (si queréis) hablando de cualquier otro tema relacionado con el cómic. Hasta entonces ¡Muchas gracias por leerme!

EXCELSIOR!

[Reseña] EL LOBO DE MAR (Riff Reb´s)

    En los años 70, la Editorial Bruguera sacó diversas colecciones y series en las que adaptaban clásicos literarios de aventuras. El invento se dio en llamar Joyas Literarias Juveniles (aunque también tomó otras acepciones como Grandes Aventuras o Colección Historias Selección). Eran cuadernillos de 32 páginas donde se adaptaban a la historieta (debidamente condensadas al formato) libros de Jules Verne, Mark Twain, Emilio Salgari, Walter Scott, R. L. Stevenson o Jack London (del que hablaremos a continuación), entre muchos más. En estas adaptaciones trabajó un gran elenco de guionistas y dibujantes de Bruguera como Victor Mora, Vidal Sales, Miquel Cussó, Jesús Redondo, Luis Bermejo, Jesús Blasco o Joan Boix, con unas excelentes portadas realizadas en su inmensa mayoría por Antonio Bernal. Ésta colección pretendía acercar a los más jóvenes, los clásicos de la literatura universal a través del tebeo y se alargó hasta casi trescientos títulos que hacían las delicias de los prepúberes de la época al tiempo que cultivaba su cultura y conocimientos, aunque fuese “leyendo santos”.

  Sirva este pequeño inicio para homenajear a ese pequeño gran grupo de personas que hicieron volar la imaginación de toda una generación (entre la que me incluyo) a la aventura, la historia y los grandes autores de la literatura universal.

  El Lobo de Mar es otro acercamiento al clásico de Jack London, utilizando los recursos y técnicas actuales así como el formato tan universalmente aceptado y prestigiado de la novela gráfica. En esencia, no deja de ser lo mismo que hizo Bruguera y otros muchos antes, llevar los clásicos a un medio nuevo y buscando nuevos lectores (o los mismos de siempre, más bien).

  La novela narra las aventuras de Humprey Van Wayden, un prestigioso crítico literario, de educadas y finas formas, que tras un naufragio es rescatado en alta mar por Lobo Larsen, un peligroso y despiadado capitán, convirtiéndose en tripulante del navío El Fantasma, comandado por Larsen. Humprey deberá adaptarse a su nuevo entorno si quiere sobrevivir a bordo del barco más peligroso de los océanos.

  Resulta inevitable ver a lo largo de todo el relato la confrontación entre la civilización y la barbarie, una constante de los relatos de Jack London que ya pudimos disfrutar en otras obras suyas como La llamada de lo salvaje o Colmillo Blanco.

  El Lobo de Mar es mucho más que una historia de aventuras en la mar, con su clásica acepción de enfrentamiento con las fuerzas de la Naturaleza. Sí, hay tormentas imposibles, naufragios, peleas y todo lo que se espera de los clichés clásicos de aventuras marinas (no esperéis ver sirenas o monstruos marinos), pero por encima de todo ello está la eterna lucha del bien contra el mal. Lobo Larsen es la misma imagen de la crueldad humana, autoritario, enérgico e impasible, pero también es cultivado y astuto, lo que le hace más peligroso si cabe. Un hombre sin remordimientos ni ataduras morales que le pondrá en clara oposición con las posturas más civilizadas de Wayden. El hombre de sociedad moderno contra el hombre salvaje...

  Riff Reb´s (seudónimo del dibujante francés Dominique Duprez) realiza aquí un trabajo digno de alabanza, manteniendo todo el bagaje del texto original y ese enfrentamiento in crescendis de Wayden y Larsen a lo largo de todo el relato. Con una buena ejecución de momentos de tensión con otros más tranquilos de conversación entre ambos personajes.

  En el apartado gráfico es donde ya eclosiona la historia en obra maestra. Con un laborioso trabajo de caracterización, en especial con Lobo Larsen, al que dota de toda la maldad recogida en el original de London y que parece la encarnación del mismísimo Diablo. El trazo enérgico de Riff Reb´s y el laborioso y excelente uso de los claroscuros y las masas de negro dotan a toda la obra de una sensación tétrica y de auténtica pesadilla, acentuada además por una paleta y tonalidad de color distinta en cada capítulo en la que se encuentra dividida.

  El Lobo de Mar fue merecedor del Premio FNAC 2013 en Francia al mejor cómic del año y ha sido publicado en España por Spaceman Books, sello subsidiario de ECC Ediciones.

  Un relato crudo sobre la verdad del alma humana y la dualidad que tenemos cada individuo dentro de sí. Una obra de la que el propio Jack London estaría orgulloso.

La Máquina del Tiempo #47 [webcómic]

Llega, una semana más, un nuevo capítulo en el devenir del Viajero del Tiempo por las remotas edades futuras. Cada vez más obstáculos se interponen en su camino, y los siniestros morlocks no parecen facilitarle las cosas.

Hoy os dejamos con el arte de Ricardo Estecha, gran ilustrador e historietista cacereño, que recientemente ha sido premiado en el XXI Concurso Nacional de Cómic, Ciudad de Dos Hermanas (Sevilla). ¡Enhorabuena, compañero!

Y, como siempre, para disfrutar plenamente del arte de Ricardo, sólo tenéis que clicar en la imagen para ampliar.

Página 47. Por Ricardo Estecha

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