[Reseña] BARCELONA AL ALBA (Alfonso Font / Juan Antonio de Blas)

    Esta semana toca reseña nacional con uno de los títulos que forman parte de la amplia trayectoria de uno de nuestros historietistas más reconocidos, Alfonso Font.

    Barcelona al alba es un comic que bebe del género negro, pero se desmarca de los planteamientos clásicos para mostrarnos una historia de misterio, conspiraciones y asesinatos, en la convulsa sociedad catalana de los años veinte del siglo pasado. Uno de los momentos más efervescentes de la historia, tanto en Europa, como en esta España nuestra, donde los enfrentamientos entre elementos anarquistas, sindicatos y patronal se resolvían a tiro limpio.

    El año es 1923. En una noche calurosa de verano, la corriente arrastra cuatro cadáveres al puerto de Barcelona. Mientras el periodista Pere Marsé investiga estos asesinatos, se horroriza al descubrir que una de las víctimas es, en realidad, un espía alemán. Al indagar más profundamente, Marsé pronto descubre que esta es solo la punta del ovillo en lo que resulta ser una enredada trama de intriga criminal y política. Conforme se van pelando todas las capas de la cebolla, van aflorando más preguntas que respuestas. Los anarquistas, la policía local, los ciudadanos alemanes, el Servicio Secreto Francés y los líderes militares; todos cumplen con su rol. Estos eventos, basados directamente en acontecimientos históricos reales, fueron una razón directa por la cual Hitler falló en su intento de golpe de estado en Munich el 8 de noviembre de 1923.

    En Barcelona al alba, se mueven una serie de personajes históricos que acompañan al protagonista, cuyo turbio pasado también florece. Personajes como Buenaventura Durruti, figura relevante del anarquismo español y líder de la CNT, Wilhem Canaris, almirante alemán y futuro jefe de la Abwehr (el servicio secreto nazi), Lluis Companys, histórico líder de Esquerra Republicana y presidente de la Generalitat de Cataluña durante la República y la Guerra Civil y el capitán de la Guardia Civil, Antonio Escobar, que se convertiría en uno de los defensores del gobierno republicano contra el Alzamiento Nacional. Todos convergen en una ciudad que ya se está convirtiendo en un hervidero de lo que está por venir en toda Europa. Todos con sus intereses propios para ayudar u obstaculizar la investigación de Pere Marsé sobre los misteriosos asesinatos del puerto. 

    El guión de Juan Antonio de Blas, hilvana perfectamente una historia llena de giros, subtramas e intereses contrapuestos, retratando magistralmente una época de nuestra historia llena de incertidumbres y enfrentamientos de clase que derramó ríos de sangre y culminó con una guerra fratricida que terminó por desangrar este país. 

    El arte corre a cargo de Alfonso Font, uno de los referentes del cómic patrio y que forma parte de aquella gran generación de historietistas españoles surgida en la Transición y que se dio en llamar el Boom del Cómic Adulto Español. Comenzó realizando trabajos para Bruguera y se inició en el trabajo de agencias como Selecciones Ilustradas, dibujando historietas para el mercado extranjero. A partir de los años 80 y con el surgir de las revistas de historietas con contenido para un público más adulto, desarrolló varias series para publicaciones como Totem, Cimoc, Creepy, 1984 o Rambla. 

   Su obra abarca prácticamente todos los géneros, desde el western y el terror, hasta la ciencia ficción o la historias de carácter más cotidiano. Historias negras, John Rohner, marino, Cuentos de un Futuro Imperfecto, Clarke & Kubrick, Taxi o El Prisionero de las Estrellas, son algunos de los títulos más significativos de uno de los autores de historieta más prolíficos de nuestro país. 

   Barcelona al alba (publicada originalmente por entregas en la revista Viñetas con el título de Negras Tormentas), es otra de esas obras a reivindicar, y más en unos tiempos como éstos que nos han tocado vivir, que parecen calcados de aquellos que se reflejan entre sus páginas.

La Máquina del Tiempo #34 [webcómic]

Qué rápido pasa el tiempo para el Viajero del Tiempo... Una semana más tenemos la ocasión de disfrutar con un nuevo capítulo de la adaptación gráfica de la novela de H. G. Wells.

Este viernes nos acompaña Marce Parra, talentoso historietista pacense al que también podéis seguir cada semana en su propio webcómic La Quinta. Animales en cuadritos, viajando al maravilloso mundo de Oz.

Ya sabéis, si queréis disfrutar de esta entrega con más detalle, no tenéis más que clickar sobre la imagen para ampliarla.

Página 34 por Marce Parra

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De la C a la C (3)

Animales antropomórficos

¡De acuerdo universo! ¡Lo has dejado bien claro! Este mes hemos sabido que Blacksad de Canales y Guarnido ha ganado el Premio Nacional del Cómic (merecidísimo) y ayer mismo por la tarde Pablo Calvo y yo estuvimos en la radio hablando de Maus. He pillado el mensaje. El universo quiere que hable sobre los animales antropomórficos en el cómic.

Por si alguien no tiene muy claro que son, los animales antropomórficos son animales dotados de características humanas. Cuando hablo de cómic de animales antropomórficos me refiero a “universos” en los que todas las personas son animales, no por ejemplo a tiras como Peanuts en la que todos los protagonistas menos Snoopy son humanos.  Una vez acotado…

Creo que el primer cómic de este estilo es de 1930. En este año Mickey Mouse ya llevaba 6 cortos a sus espaldas y era un personaje de éxito.  El King Features Syndicate, propiedad de William Randolph Hearst (un señor que a lo mejor os suena como personaje histórico y sobre todo como modelo para Ciudadano Kane), compró los derechos para editar una tira de prensa con los personajes de un Walt Disney que incluso escribió las primeras historietas.  

Las dos primeras historietas fueron adaptaciones de dos cortos anteriores de Mickey. A partir de aquí el Mickey de dibujos animados y el de dibujos inanimados fueron cada uno por su lado, el primero se quedó en la comedia y el de cómic tiró por la aventura, una receta que parece haber salido bien teniendo en cuenta que la tira de prensa se estuvo publicando 45 años.  El final de la tira de prensa no supuso el final del ratón como protagonista del papel, ya que la serie de cómics “Mickey Mouse” que apareció en 1941 no ha dejado de publicarse hasta 2011.

En España, por supuesto, sabéis de qué estoy hablando

 

A día de hoy, si eres de mi quinta, todavía quedará alguna revista Don Miki dando vueltas por tu casa. Se publicó entre los años 76 y 89 con cadencia semanal. Es decir, si las matemáticas no me fallan y la Wikipedia no me engaña, 664 números. Era el tipo de revista infantil que había cuando yo era un muchachuelo de mejillas sonrosadas: Barata (la calidad del papel era bastante mala), divertida y educativa. Aparte de las lecciones de historia que suponían algunas de las aventuras había secciones en las que se enseñaban cuestiones de zoología, ecología, culturas diferentes,  recetas y otra serie de cosas de las que no me acuerdo. La próxima vez que vaya a casa de mi novia, que tiene cienes y cienes, les echo un ojo y os lo digo. Lo que a lo mejor no sabéis los que leíais las historias de Donald, el Tío Gilito, Supergoofy, Chip y Chop, etc. es que la mayor parte de esas historias no eran americanas, sino italianas. Las escribían y dibujaban artistas italianos para la revista Topolino, que es como se llama Mickey en la tierra de Berlusconi y Rafaella Carrá. Por desgracia no podemos saber qué historias eran de quién ya que Don Miki no traía créditos (¡MAL!) 

Ya en 1991 nos llegan más ratones en los cómics, aunque en un estilo y con una temática totalmente diferentes. El cómic del que hablábamos ayer, Maus. 

Maus es una de las novelas gráficas más importantes que existen y para mí uno de los mejores cómics que se han hecho nunca. Es el único de la historia que ha ganado un premio Pullitzer (aparte de otros premios incluidos el Eisner y el Harvey). Esta novela sobre un superviviente judío del holocausto utiliza el recurso de los animales antropomórficos por varios motivos y con distintos resultados. Por un lado, es una forma de hacer referencia al racismo: Los judíos son ratones ya que los nazis les llamaban parásitos y peste en su propaganda. Los alemanes son gatos, los polacos cerdos, los franceses ranas, etc. A lo largo de la novela vemos cómo estos animales se disfrazan unos como si fueran otros e incluso se nos presentan como humanos con caretas, lo que hace ver que al final la diferenciación de “razas” es un ejercicio mental nuestro más que una realidad. También utiliza el recurso como una forma de decirnos que, aunque el cómic está trasladando los recuerdos del padre del autor y está basado en la realidad, es un cómic. 

Pasemos de los ratones. El que viene a continuación en mi selección histórica de animales antropomórficos es un conejo. Un conejo elegante. Un conejo que representa el bushido mejor que ningún humano. Usagi  Yojimbo.

No os voy a engañar, adoro todo de este cómic, desde la cadencia al diseño de Usagi con sus orejas anudadas a lo samurái. Que no os engañe el hecho de que esté protagonizada por un conejo que se cruza con rinocerontes, cerdos o perros. O el hecho de que el autor Stan Sakai sea el rotulista de (entre muchos otros cómics) Groo el Vagabundo. O que Usagi apareciera como invitado en algún capítulo de las tortugas ninjas. Usagi Yojimbo es un cómic serio. Tiene momentos de humor, pero también mucho muerto, mucha historia japonesa, mucha mitología japonesa, mucha profundidad y un cariño en general hacia el propio cómic como he visto pocas veces. Claro que Stan Sakai escribe, dibuja, entinta y rotula la obra. Así es más fácil que se vea el cariño. Otra cosa que me encanta de este cómic es que está lleno de referencias al cine y el cómic oriental. Hay incluso una versión de Zatoichi y otra de Lobo Solitario y Cachorro en su mundo.

Usagi nunca se concibió como un cómic de animales. Stan estaba haciendo bocetos para ilustrar historias sobre Miyamoto Musashi (El samurái más famoso de la historia y escritor del Libro de los Cinco Anillos) y en uno de ellos le puso un par de orejas de conejo anudadas como la coleta de un samurái. El resto es historia. Este cómic se lleva publicando desde 1987 hasta la actualidad.

Y, por último, no me puedo ir sin mencionar al flamante ganador de este año:

Blacksad es un gato con clase. Los guiones son puro cine negro, el dibujo me encanta. Tengo que decir que aún no he leído “Amarillo”, el cómic que ha ganado el premio. Pero sí los 4 anteriores. Consideradlos MUY recomendados. 

Perdonadme, hoy creo que me he extendido demasiado. ¡Pero tened en cuenta todo lo que me dejo en el tintero! La semana que viene estaré de vuelta dándole vueltas (valga la redundancia) a los cómics y abusando… Ya sabéis. ¡Gracias por leerme!

EXCELSIOR!

87 exTreBeO micropodcast: Joe Kubert

Esta semana queremos hablar de un grandísimo autor. El Noveno Arte no sería lo que es si no fuera por su historia, por el camino que abrieron los que como Joe Kubert (1926-2012) fueron capaces, con su talento y profesionalidad vocacional, de hacer arte de un oficio, sobreponiéndose a las limitaciones de un esquema industrial que obligaba a trabajar con muchas prisas y al servicio pleno de la comercialidad.

Joe se hizo a sí mismo. Comenzó a cobrar por algunos trabajos a los 11 años y se hizo profesional a los 16. Su vida personal y profesional es inseparable de la historia del comic-book norteamericano. Trabajó para diversas editoriales (sobre todo para National, la que sería más tarde DC) y como autor y editor independiente. Fue responsable junto a otros autores del resurgimiento de los cómics de superhéroes a mediados de los 50 con personajes como Hawkman o Flash (la llamada Silver Age) e innovó con aportaciones como el primer cómic en 3D o la primera historieta sobre un personaje prehistórico (Tor). Desde entonces siempre estuvo en primera línea, hasta su muerte en 2012.

Se especializó más tarde en el género bélico con uno de sus personajes más recordados, el Sargento Rock , creado en la revista Our army at war en 1959 (con el importante matiz de ser uno de los autores norteamericanos más antibelicistas; las historias de Rock acababan con un "Make war no more", lo que no impidió que el ejército norteamericano le rindiese homenaje a su muerte). Y abundó en ello con diversas contribuciones más al género, destacando El soldado desconocido y El as enemigo (las mejores viñetas de la historia sobre combates aéreos, sin discusión). Estas últimas publicadas por Planeta.

En los 70 destaca su etapa de Tarzán, que ahora se reedita en edición de lujo y con color remasterizado (Yermo Edit., 26 €). En esta obra, como en muchas de las ya mencionadas se pone de manifiesto el fabuloso talento para la narración gráfica de Kubert y, especialmente, el dinamismo increible de sus figuras (apenas necesitaba las líneas cinéticas) y su maestría en la composición de página.

Vídeo del maestro luciéndose junto a -nada menos- Neal Adams y Moebius:

Finalmente, recordar que fue "maestro de maestros" al fundar la Kubert School en 1976 (que continúa su labor a día de hoy), la primera escuela de rango universitario dedicada en exclusiva a la enseñanza del Noveno Arte y la profesión de cartoonist, de la que han salido importantes autores, empezando por dos de sus hijos (Andy y Adam). Ha habido muchos grandes artistas pero no todos sabían transmitir didácticamente su arte como hizo Joe. Desde los 90 pudo dedicarse a proyectos más personales, muchos de ellos de carácter antibelicista, como la estupenda Fax from Sarajevo (1996). Su fallecimiento generó numerosos tributos a su memoria y legado.

De izquierda a derecha: Joe Kubert y un miembro de exTreBeO.
Salón del Cómic de Granada, 2010.

Jesús Bravo le dedicó recientemente una de sus recomendables reseñas dominicales a la reciente y estupenda reedición de su Tarzán (AQUÍ).

También le recordamos con este artículo cuando falleció, que incluye algunos interesantes enlaces (sus cómics, sus portadas,...) (AQUÍ).

Sección semanal "Cosas del Cómic" de exTreBeO en el programa "Cosas que pasan" de Canal Extremadura Radio. Cada miércoles de 18:50 a 19 h.:

Descárgalo AQUÍ 87 exTreBeO micropodcast (en mp3)

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[Reseña] THE BLACK BEETLE. SIN SALIDA (Francesco Francavilla)

       Que el pulp está de moda es algo a todas luces patente… o quizá es siempre ha estado presente, aunque no fuésemos conscientes de su presencia. El término pulp en realidad hace referencia al tipo de papel que se empleaba para imprimir determinadas publicaciones (principalmente revistas de relatos y luego cómics) que iban destinadas a un público masivo y por tanto debían ser realizadas abaratando costes, imprimiendo en papel de pulpa (un desecho de la madera con el que se fabricaba un papel amarillento, astroso y de muy mala calidad). Este término serviría para denominar todo un género.

     Estas revistas triunfaron durante la primera mitad del siglo XX, con historias bélicas y de bandidos, y luego con relatos de aventuras, policíacas y de ciencia ficción. El mercado estadounidense se inundó de títulos de revistas pulp míticas; Argosy, Weird Tales, Amazing Fantasy o Black Mask, de donde salieron personajes tan icónicos como La Sombra, Tarzán, John Carter, Conan o Doc Savage. Con sus espectaculares portadas y su contenido, enfocado principalmente a un público adulto, estas revistas fueron también el origen del cómic de superhéroes y de aventuras seriadas tal y como lo conocemos hoy.

    The Black Beetle. Sin salida, es el enésimo homenaje a éste género y esta época de desbordamiento creativo de la cultura popular americana. Debe mucho de su estilo a dos grandes creaciones del pulp como son The Spider y La Sombra (fuentes de la que también bebió el siempre sempiterno Batman). Una historia que guarda el aspecto formal del pulp más clásico, jugando con sus elementos diferenciadores y proporcionando un argumento que se mueve en ese género negro tan fantástico que tiene como protagonistas a los justicieros enmascarados.

      Colt City, 1941. El jazz y las victorias de Hitler en Europa dominan las ondas. Una nación al borde de la guerra disfruta de la calma que precede a la tormenta. Los gansters lo controlan todo mientras se llenan los bolsillos con chanchullos en clubs nocturnos, contrabando de armas, prostitución y drogas. Policías corruptos engordan gracias a los sobornos de la mafia. Espías nazis buscan artefactos arcanos en suelo americano. Y un detective con ojos de insecto, conocido solamente como Black Beetle, patrulla desde los tejados de la urbe. Equipado con una pistola de rayos, dos armas de fuego y su ingenio, intenta mantener a salvo su ciudad.

      La sinopsis incluida en el volumen de Planeta DeAgostini (que recopila la limited series de Dark Horse), no deja lugar a dudas, es puro pulp.

    Francesco Francavilla es un dibujante italiano conocido por sus trabajos en Batman: Espejo Oscuro o las series de Capitán América y Ojo de Halcón, por alguno de los cuales ha llegado a estar nominado a los Premios Eisner. En The Black Beetle. Sin salida, nos aporta su primer trabajo en solitario tanto en el guión como los dibujos, presentándonos una historia convencional que maneja muy bien los resortes del pulp más clásico. Sin embargo, el punto fuerte de Francavilla viene en el apartado gráfico, en el que el dibujante italiano muestra su talento para llenas las viñetas de tonos sombríos jugando excepcionalmente bien con los claroscuros que necesita la historia para sumergirnos en esa atmósfera misteriosa llena de personajes oscuros y actos deleznables. Con una paleta de colores donde abundan las tonalidades naranjas y rojas, Francavilla saca partido a su estilo minimalista y sencillo aprovechando toda clase de recursos visuales para realizar una narrativa perfecta.

    The Black Beetle. Sin salida, es un comic que juega con las convenciones del género de una manera magistral y que aporta una historia entretenida que asegura segundas lecturas. 

La Máquina del Tiempo #33 [webcómic]

Una semana más avanzan las aventuras del Viajero a Través del Tiempo en un futuro muy, muy lejano, donde los misterios comienzan a florecer.

Hoy nos aporta su arte el historietista e ilustrador placentino, José Cruz de Cruz.

Como siempre, si clickais sobre la imagen podéis verla en toda su amplitud.

Página 33 por Cruz de Cruz

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De la C a la C (2)

Personajes de editorial Vs Personajes de autor

¡Hola!

Hoy voy a hablar de un fenómeno que es casi (casi) exclusivo de los cómics de superhéroes de EEUU: Los personajes que pertenecen a una editorial. No hablo exclusivamente de derechos, también a nivel creativo. 

Prácticamente todos los personajes de DC o Marvel (las dos principales editoriales de cómics de USA) son propiedad intelectual de la compañía. Esto tiene sentido, ya que si no no podrían haber tenido la trayectoria que tienen. Por ejemplo: Superman, un personaje que lo mismo os suena de algo, apareció por primera vez en cómic en 1938. Eso es antes de la Segunda Guerra Mundial o antes del final de la Guerra Civil Española. 43 años antes de que naciera yo. 59 años antes de que Jordi Hurtado empezara a presentar Saber y Ganar. Y en estos 77 años nunca ha dejado de publicarse. No creo que exista nadie con la creatividad (ni las ganas) de escribir sobre el mismo personaje durante 77 años ininterrumpidamente.

Otro día a lo mejor hablo sobre la justicia o la injusticia de los derechos económicos de estos personajes, un debate que se hizo público e intenso en la década de los 70, cuando se descubrió que los creadores de Superman, Siegel y Shuster, vivían al borde de la miseria mientras DC ganaba millones de dólares con los cómics, películas, series y merchandising. Pero hoy me quiero centrar en la cuestión creativa.

Evidentemente, cuando un personaje cambia continuamente de autor es complicado que conserve su personalidad. Batman comenzó su andadura en 1940 con muchísima influencia de las novelas pulp, era un detective oscuro que no dudaba en matar a los malos. En los 50 era un aventurero que vivía aventuras de ciencia ficción con su compañero adolescente Robin y con Ace, el Bat-perro. En los 60 salía bailando el “Batusi” en la televisión.

Desde los 70 hasta hoy ha ido recuperando el tono sombrío que tenía en su creación, aunque ha pasado de su concepción original de “el mejor detective del mundo” a ser un “vigilante” en la concepción americana del término. 

Sin necesidad de esperar el paso del tiempo podemos observar cambios de personalidad en los personajes cuando salen en más de un cómic al mismo tiempo. Hasta hace poco Lobezno salía en prácticamente todas las series de Marvel: X-men, X-Force, Vengadores, Lobezno, etc. además de series limitadas y apariciones como invitado en otras series. Aunque es un personaje con una personalidad fuerte y definida, si leías todas las series era muy fácil encontrar contradicciones de actitud o actos. 

Sin embargo, desde mi punto de vista esta falta de consistencia no es el principal problema de los personajes de editorial. Curiosamente es todo lo contrario: La inmovilidad. A una editorial lo que le interesa es que vender cómics (y series, y películas, y...) Esto lleva a que los personajes no puedan sufrir cambios duraderos, ya que los criterios comerciales siempre intentan mantener al lector  antiguo a la vez que buscan al lector nuevo. Otro ejemplo: Spiderman fue el primer superhéroe adolescente. Anteriormente los adolescentes estaban relegados al papel de “sidekick”, ayudante del superhéroe adulto. La edad de Spiderman fue uno de los motivos de su éxito. Su primera aparición fue en 1962, hace 52 años. Si hubiera cumplido años como nosotros ahora estaría acercándose a los 70 añitos. No os digo nada de la Tía May. 

Ya no es un adolescente, pero sigue estancado en una edad difusa entre los 25 y los 35. El único cambio notable en su vida que ha durado muchos años ha sido su matrimonio con Mary Jane, y aún así cada pocos años han intentado deshacerse de ella. La tía May ha muerto varias veces. Pero mejoró.

La alternativa son los personajes que pertenecen artísticamente a un autor. La editorial Image surgió en EEUU como alternativa en la que los autores mantienen los derechos de sus obras. Por eso personajes como Savage Dragon, que lleva editándose desde 1993 siempre escrito y dibujado por 

Erik Larsen, o Invencible de Robert Kirkman y Cory Walker, que lleva 114 números con solo un cambio en el equipo creativo, son consistentes y consistentes en sus cambios. Aprenden de lo que les pasa, sus relaciones tienen reacciones (sobre todo las de Dragon, que es el José Coronado de los 

cómics, if you know what I mean), por norma general cuando alguien muere permanece muerto, etc. 

Las opciones son esas: Consistencia y cambio contra duración y ubicuidad. Yo no tengo una preferida, creo que la mejor opción es alternar. 

Postalgo: Comentaba al principio que este es un fenómeno casi exclusivo del cómic de superhéroes americano. No se da, por ejemplo, en el cómic manga, en el que el autor o autores se encargan de una serie hasta que termina. Sin embargo en España hemos tenido un par de casos parecidos: 

En el año 2000 se publicaron algunos cómics de “Zipi y Zape” escritos y dibujados por Juan Carlos Remís y Joaquín Cera que no tuvieron ningún éxito. Ibáñez perdió los derechos de autor de Mortadelo y Filemón en los 80 durante 5 años, por lo que hay varias historietas apócrifas de nuestros agentes de la T.I.A favoritos. Aceptadlo, somos como los yankis.

Nos vemos la semana que viene, hablando del cómic de la C a la C y abusando de los paréntesis (en mi humilde opinión)

Excelsior!

[20 Aniversario Comité AntiSIDA de Extremadura] Crónica del Primer Combate de Dibujantes en Extremadura

    El pasado viernes 14 de noviembre, en la galería Espacio Belleartes de Cáceres y con motivo de los actos que conmemoran el 20 Aniversario del Comité AntiSIDA de Extremadura, se celebró el primer Combate de Dibujantes de la región (al menos que tengamos constancia, claro).

   El acto, organizado por Marce Solís, Fermín Solís y Espacio Belleartes, se realizó de cara al público, participando ocho dibujantes e ilustradores extremeños (grandes amigos y colaboradores de Extrebeo) que en diferentes rondas clasificatorias, se iban enfrentando entre sí, dibujando aquellas sugerencias que los asistentes les pedían (mayoritariamente relacionadas con gatos y monos).

    Los participantes fueron: Jesús Bravo, Gabriel de los Bueis (Gab), Pau Guerra, Clara González, Pablo Jiménez, Fran Aguilera, Almudena Fernández (Doncella) y Alberto Peral.

PRIMERA RONDA

Jesús Bravo vs. Pablo Jiménez

Doncella vs. Al Peral

Pau Guerra vs. Clara Gonzalez

Gab vs. Fran Aguilera

SEGUNDA RONDA

Doncella vs. Fran Aguilera

Pau Guerra vs. Pablo Jiménez

RONDA FINAL

Doncella vs. Pablo Jiménez

GANADORA:

Almudena Fernández (Doncella)

   Desde aquí felicitar a Almudena Fernández (Doncella), flamante ganadora de esta primera edición del Combate de Dibujantes de Extremadura así como a todos los participantes, pues aunque competitivo, no hubo rivalidad ya que fue un encuentro entre amigos haciendo lo que mejor saben hacer, dibujar.

   A continuación os dejamos también un video realizado y montado por Almudena Fernández (podéis seguir su trabajo en su página de deviantart) para que podáis ver la amena tarde que pasamos entre amigos y risas.

Un gran día con una magnífica actividad que seguro retomaremos en futuros actos que organizemos desde Extrebeo.

86 exTreBeO micropodcast: He visto ballenas

Vamos a intentar "ver ballenas" con el autor bilbaíno, pero afincado en Extremadura, Javier de Isusi (Bilbao, 1972). Así pues, nos acompañará el propio autor, quién mejor que él, para hablarnos de su ultima obra He visto ballenas (Astiberri, 2014, 18€).

La obra podría situarse dentro del formato o género que viene en llamarse últimamente novela gráfica. Se trata de una historia sobre los sentimientos humanos, cómo estos nos sirven, a la vez que nos impulsan, para intentar una reconciliación con nosotros mismos cuando llegados a cierta altura de nuestras vidas vemos que esta no está resultando ser como esperábamos. A veces, esa reconciliación con uno mismo (o su posibilidad) encuentra su cauce -porque no hay otro- en la confrontación con las personas y los ideales que han marcado nuestras vidas.

Esto es lo que viven los protagonistas de esta historia que nos regala Isusi. Un sacerdote cuyo padre fue asesinado por ETA cuando era joven, un amigo suyo de la adolescencia que se hizo miembro de ETA y un ex-sicario del GAL al que conoce este último en la prisión francesa donde ambos cumplen condena. Con estos mimbres Isusi consigue el difícil equilibrio de acercarse con lucidez y realismo a personas, auténticas y sin etiquetas, que viven situaciones que les marcan de por vida y, de paso, gracias a las numerosas sugerencias y puertas abiertas en este cómic (con metáforas, alegorías,... da fácil lectura, nada pretencioso) se invita a la reflexión sobre uno mismo al propio lector, cediéndole el testigo para que saque sus propias conclusiones.

Javier de Isusi se dio a conocer con la estupenda tetralogía Los viajes de Juan sin tierra (2004-2010), obra inspirada en un extenso viaje que le llevó por toda Sudamérica, y en la que, al igual que en He visto ballenas, la historia oscilaba con habilidad entre lo individual (sentimientos, vivencias,...) y lo social (contexto político, historia, situación económica,...). Desde entonces es un autor que merece ser seguido de cerca dado el interés humano, social y artístico de sus obras. La serie se relaciona con Ometepe (2012).

Sección semanal "Cosas del Cómic" de exTreBeO en el programa "Cosas que pasan" de Canal Extremadura Radio. Cada miércoles de 18:50 a 19 h.:

Descárgalo AQUÍ 86 exTreBeO micropodcast (en mp3)

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Cambio en la Junta Directiva de exTreBeO

En la Asamblea celebrada el pasado 8 de noviembre de 2014, con asistencia de 4 directivos y 11 socios y amigos de la Asociación, y con el voto favorable de todos ellos, se llevó a cabo modificación de la Junta Directiva de exTreBeO, quedando como sigue:

Presidente: D. José Miguel Gómez Andrea.

Vicepresidente: D. Jesús García Bravo (sustituye a Dª. Vanesa Gutiérrez de Leiva).

Secretario: D. Pablo Calvo Rosales (sustituye a D. Ángel García Nieto).

Tesorero: D. Ángel García Nieto (sustituye a D. David Santiago Rodríguez Sánchez).

Vocal: D. Antonio Roguera Rodríguez.

Vocal: D. Juan Andrés Cabello García (sustituye a D. Alberto Peral Alcón).

Agradeciendo en todo caso la gran labor desempeñada por el anterior equipo directivo, nos proponemos seguir adelante en este ilusionante proyecto de defensa y difusión del Noveno Arte como medio de comunicación y de expresión artística, para lo cual invitamos a todos los socios y amigos de exTreBeO, así como a aficionados al cómic en general, a que participen en los diversos eventos y actividades que iremos celebrando.

Afectuosos saludos.

Pablo Calvo Rosales

Secretario de exTreBeO

[Reseña] CONAN REY. LA HORA DEL DRAGÓN/EL CONQUISTADOR (Truman / Giorello / Villarrubia)

"Sabe, oh príncipe, que entre los años en que los océanos anegaron Atlantis y las resplandecientes ciudades, y los años de aparición de los hijos de Aryas, hubo una edad no soñada en la que brillantes reinos ocuparon la tierra como el manto azul entre las estrellas: Nemedia, Ophir, Brythunia, Hyperborea, Zamora, con sus mujeres de cabellos negros y sus torres de terrorífico misterio; Zingara, con sus caballeros; Koth, que hace frontera con las tierras de pastos de Shem; Estigia, con sus tumbas guardadas por sombras; Hyrkania, cuyos jinetes llevan acero, seda y oro. Pero el más orgulloso reino del mundo es Aquilonia, que reina suprema en el dormido occidente.

Y allí llegó Conan, el cimmerio, cabello negro, adustos ojos, espada en mano, ladrón, asaltante, asesino, de grandes tristezas y grandes alegrías, preparado para pisotear con sus pies calzados con sandalias los enjoyados tronos de la Tierra."

Las Crónicas Nemedias

    Para muchos de los que somos admiradores del bárbaro cimmerio, esta entrada que se podía encontrar al principio de todos los números de la mítica revista La Espada Salvaje de Conan el Bárbaro, junto con el correspondiente mapa de la Era Hiboria, nos introducía en un mundo lleno de aventuras, magia, intriga, monstruos, misterios y bellas mujeres. Un mundo en el que había un protagonista absoluto y alrededor del cual surgía este maravilloso universo.

    Conan el bárbaro es otro de esos personajes icónicos surgidos de las revistas pulp que acomodaban los sueños de fantasía y aventuras de los lectores estadounidenses en las primeras décadas del siglo XX, alejándolos de las penurias del día a día y de la cataclísmica crisis del 29 que quedó a los Estados Unidos en una miseria económica y social de la que gracias a dios pudieron salir al meterse en la Segunda Guerra Mundial y reactivar su economía gracias a la industria armamentística y militar. 

     En este contexto de crisis, un joven texano de carácter introvertido y huraño crearía un personaje al que dotaría de la fuerza y determinación que el autor pensaba que el país necesitaba para salir de la penuria. En febrero de 1932, dentro de la revista pulp Weird Tales, aparecería El fénix en la espada, el primer relato de Robert E. Howard que tendría por protagonista a Conan de Cimmeria. Heredero directo de otra creación de Howard, Kull de Valusia, Conan fue ampliamente aceptado por los lectores y el editor de Weird Tales pronto le encargaría más relatos con el cimmerio de protagonista. La hija del gigante helado, Clavos rojos, La torre del elefante o el ensayo La Era Hiboria (donde exploraba y conformaba el rico mundo donde se movería su personaje), cerca de una veintena de relatos, apuntes y cuentos inconclusos conforman la herencia literaria de Conan dejada por Robert E. Howard (el escritor se suicidaría en 1936, a los treinta años, poco después del fallecimiento de su madre) así como una novela extensa titulada La Hora del Dragón, también conocida como Conan, el Conquistador.

    La novela narra cómo Conan, en el período de su vida en que ya es rey de Aquilonia, tiene que hacer frente a la invasión de su reino por parte del vecino reino de Nemedia, rival de Aquilonia en influencia y extensión. El título de la novela se debe a que el dragón es el símbolo heráldico de Nemedia así como el león es el símbolo de Aquilonia, impuesto por Conan, al que llamaban Amra (el león) cuando era pirata y que adoptó como emblema al coronarse rey. "La hora del dragón" es por lo tanto la hora de Nemedia, el momento en que este reino enemigo de Aquilonia decide jugarse el todo por el todo para apoderarse del mundo hiborio.

     En la novela Conan ya ha alcanzado la madurez y es rey de Aquilonia cuando se desencadenan los sucesos. El ejército nemedio irrumpe en las fronteras de Aquilonia con la intención de penetrar en el país y someterlo por la fuerza. El rey Conan decide encabezar sus tropas para defender su territorio. Sin embargo, en el momento de prepararse para la batalla, estando todavía en su tienda de campaña sufre de una parálisis repentina, que le impide moverse y desplazarse con normalidad, un mal extraño originado por una misteriosa magia negra enviada por Nemedia para impedir que el rey capitanee sus tropas en el combate. Junto con los principales generales de su estado mayor Conan se resigna a permanecer en la tienda mientras los dos ejércitos se libran batalla, pero Aquilonia es vencida y Conan, hecho prisionero, es enviado por los nemedios a los calabozos de Belverus, la capital de Nemedia. Una vez allí, Conan consigue escapar con la ayuda de Zenobia, una muchacha reducida a la esclavitud por los nemedios. El león de Aquilonia se abre entonces paso hacia el oeste con la firme intención de recuperar su corona y de vengar los ultrajes cometidos por el dragón de Nemedia.

    Conan el Conquistador o La Hora del Dragón, ya conoció una primera adaptación a los tebeos por parte de la exitosa colección dedicada al bárbaro cimmerio de Marvel Cómics. Roy Thomas, Gil Kane y John Buscema, adaptaron este clásico en los números 1 al 4 de Giant Size Conan y 8 al 10 de The Savage Sword of Conan, en 1974.

    Tras la adquisición de las licencias de Conan para el mercado del cómic por parte de la editorial Dark Horse, sólo era cuestión de tiempo que se adaptase de nuevo la novela más ambiciosa de Howard. Publicado en España por Planeta-DeAgostini en dos tomos que reúnen las dos limited series USA que engloban la totalidad de la adaptación gráfica de la obra de Robert E. Howard. Cada tomo lleva uno de los títulos con los que es conocido la novela, el primero es La Hora del Dragón y el segundo, Conan el Conquistador.

   De ésta adaptación se encarga el guionista norteamericano Timothy Truman y el dibujante argentino Tomás Giorello asistido al color por José Villarrubia. Manteniendo no sólo la espectacularidad propia el relato original, sino la esencia del mismo y respetando los cánones clásicos del personaje.

    Ambos autores ya nos mostraron lo excelentemente compenetrados que estaban en la adaptación de El fénix en la espada. Pero es en éste díptico que su colaboración alcanza rangos de auténtica maestría. Truman nos presenta a un anciano rey Conan que relata sus aventuras a modo de narrador, mostrándonos a un personaje en la senectud de la vida que mantiene su fuerza en la mirada pero también la añoranza del amor y la juventud perdidas. Los dibujos de Giorello adquieren en esta obra un dominio absoluto del personaje en las diferentes épocas que lo dibuja, como decrépito anciano y como floreciente rey unas décadas antes, enfrentándose a las fuerzas que amenazan su reino. Logrando unas vibrantes viñetas llenas de enfrentamientos y combates a espadazo limpio, así como una descripción del mundo en el que se mueve Conan y una ambientación terrorífica, cuando el relato se mueve por episodios más fantásticos. El uso de las masas de negros y el color empleado por Villarrubia nos introducen en las intrigas entre Aquilonia y Nemedia sin que podamos ni queramos levantarnos del sillón.

    Señores, ha llegado La Hora del Dragón. Conan el Conquistador está aquí para reclamar su reino.

La Máquina del Tiempo #32 [webcómic]

    Buen viernes y como es habitual, nueva entrega de nuestro webcómic La Máquina del Tiempo, basado en la novela original de H.G. Wells.

    Hoy tenemos el estreno en esto de los tebeos de Luisa Cardenete de las Heras. Ilustradora residente en Hervás, especializada en trabajos al pastel y acuarela.

    Como siempre. Podéis disfrutar con más detalle de su página clickando en la imagen para ampliar.

Página 32 por Luisa Cardenete

Todos los viernes una nueva entrega aquí,

en el blog de exTreBeO

De la C a la C (1)

   Declaración de intenciones

   ¡Hola!

   Soy Mon, socio de Extrebeo y fanático de los cómics desde chiquinino, cuando la única forma de conseguir uno de superhéroes era encontrar números sueltos en algún kiosko pero había muchas más revistas de historietas infantiles o juveniles (como Don Miki, Top Guay, Mortadelo…) Los tiempos y los cómics han cambiado, pero yo sigo siendo un enganchado a este noveno arte.

   La gente de Extrebeo, que son pura bondad (como ya sabréis) me ha brindado la oportunidad y el espacio para, semanalmente, dedicar un rato a hablaros de los cómics. ¿Y de qué voy a hablar? Pues de todo lo que se me ocurra que tenga que ver con el cómic. El cómic de la A a la Z. Bueno, de la C a la C. Personajes, autores, editoriales, historia, grapas, tipos de papel, rotulistas, quiosqueros, un señor de Murcia que una vez leyó la viñeta de un periódico…

   Lo primero que quiero hacer es acotar. ¿A qué me refiero cuando hablo de cómic?

  A día de hoy no existe una definición de cómic (o tebeo, o historieta, o novela gráfica, o…) que convenza a todo el mundo. Will Eisner o Scott McLoud hablan del “arte secuencial”, en el que se entiende el cómic como una sucesión deliberada de imágenes que transmiten una historia. Pero claro, si lo fundamental es que haya una sucesión de imágenes… ¿Esto no es un cómic?

   Otros autores hablan de la conjunción entre imagen y texto. Pero, una vez más, ¿Esto no es un cómic?

    Así que he optado por tomar una decisión del tipo “Huída hacia adelante” y voy a deciros lo que entiendo yo por cómic: Desde mi punto de vista, es un género narrativo en el que para contar una historia no se puede prescindir de la imagen y esta tiene por lo menos el mismo rango de importancia que el texto.

    Voy a desarrollarla por comparación: La diferencia entre un cómic y un cuento infantil ilustrado sería que el cuento lo podría contar en voz alta sin enseñar los dibujos y la narrativa no sufriría cambios respecto a si fuera leída mientras se ven las ilustraciones. O, en el caso de libros infantiles ilustrados del tipo “Estos son los animales de la granja”, en el que las imágenes son imprescindibles, no existe una narrativa. Es decir, no hay paso del tiempo, todo sucede en el mismo instante (en la viñeta de Forges por ejemplo sí transcurre el tiempo, primero el tiempo en el que se desarrolla el diálogo y el que pasa desde que los niños hablan a la reacción de los padres, transmitida por la expresión facial) ¿Y, por ejemplo, el Principito? Hay narrativa y las ilustraciones son imprescindibles en una parte de la historia (los famosos dibujos de la boa), pero es evidente que la imagen y el texto no tienen el mismo rango de importancia.

   Es una definición un poco tramposa, porque se basa en la comparación, pero oye, es mía, haz tú algo mejor y si me gusta te la compro y si no a la salida en el patio.

   En fin, de esto es de lo que voy a hablaros todas las semanas mientras me lo permitan, de todo lo que rodea, está dentro o se acerca a mirar de reojo al cómic, al tebeo, a la historieta, a la novela gráfica o al arte secuencial.

   Si os apetece nos leemos el jueves que viene. Yo seguiré aquí, abusando de los paréntesis y leyendo cómics como un conejo mirando a una serpiente